El artista se ha centrado en obras de carácter conceptual. Utiliza materiales industriales prediseñados que descontextualiza a usarlos en la manufactura de objetos de formas reconocibles pero totalmente alejadas de la función primaria. Es así como planchas de cartón, láminas de plástico, PVC, maderas aglomeradas, telas, gomas, envases de plástico de desecho se transforman en trompos, pantallas de lámparas, grandes globos inflables entre otras formas que se identifican como objetos cotidianos. Estas obras persiguen el asombro del espectador pero también forzar una mirada poética al reinterpretar los materiales reconocibles.
Ha sido considerado un artista conceptual por excelencia.Se ha dedicado a la escultura e instalaciones. Entre los materiales y situaciones que usa Rivera para sus obras destacan visiones de coronas funerarias en plena calle, cachureos u objetos en desuso en la Feria popular de Franklin en Santiago sur-poniente, cadáveres en un nicho del cementerio, hormigas vivas transitando por habitáculos transparentes, objetos de mimbre con armazón metálico, para sus realizaciones desarrolla rigurosos estudio planimétricos y gráfico de las formas.
Hacia el 2000, el artista buscó explorar equivalencias formales entre la estética minimalista y las políticas habitacionales, convirtiendo un conjunto de obras en una irónica metáfora de la vivienda social y de la idea de habitar. El artista cita a los procedimientos tradicionales de la escultura, modelar, desbastar y ensamblar, mediante un cambio o una ausencia de éstos. Además introduce la condición de espacio como materia escultórica. Rivera postula que el objeto desaparecido sigue existiendo, ya que la escultura no se plantearía por su sola presencia.
Su interés ha sido establecer zonas de ambigüedades, de preguntas y no de respuestas sobre sus obras y su relación con los sitios donde se instalan.
Un referente importante en el desarrollo de la propuesta C.A.R.RO lo constituye el stand expositivo regional que comprendemos como síntesis material de aquellas políticas económicas y/o gubernamentales basadas en la autopromoción de la lugaridad como valor agregado. Así, parodiando la tendencia que llama a salir a conquistar público específico en busca del posicionamiento al interior de este espacio imaginario en donde el mundo se divide en “compradores y potenciales compradores”, la producción cultural local artística y general, producción de enunciados, responde adecuando sus intereses a unas muy limitadas posibilidades técnicas y económicas que traducen irónicamente los postulados mercadotécnicos de imagen corporativa y marca.
La “pequeña economía” del arte regional no se excluye, sin embargo discute diversos aspectos de esta lógica que implica salir a vender el producto típico al mundo, dentro de la cual se facilitan espacios comunes para la participación de pequeñas microiniciativas a nivel nacional que soportan cierto tipo de heterogeneidad rentable, absorbiendo las diferencias simbólicas en uno de los pocos terrenos nacionales desde donde la plusvalía sí va de la mano de la diferencia y el exotismo regional capitaliza ganancias como valor agregado. En tal sentido, es posible apreciar que aquella tendencia se apropia y absorbe la diferencia al convertirla en valor transable o bien en evidencia de supuesta plenitud y vigencia del ideal liberal democrático y de la tolerancia a la multiplicidad, cultural, que se le asocia.
Entonces, en un calce que tensa aquellas iniciativas facilitadoras, las que por ejemplo orientan los programas de envíos regionales a las ferias nacionales, se desarrolla proyecto “C.A.R.RO (Centro de Acopio Regional Rodante)” como un modelo de recopilación ficcionado, que coloca problemáticamente su oferta, connotando la posibilidad, sólo eso, de acoger cuestionamientos contingentes en el plano de producción artística regional y el de otras dinámicas de relación social y cultural. Por otra parte, la propuesta rehúye su plena asimilación al modelo exhibitivo convencional, ya que sólo despliega el resto material de una dinámica que ha recurrido a la producción de unos “libros” como una intermediación para dar lugar a la emergencia de diversas situaciones de implicación que atisban en lo que a la articulación de enunciados y la producción de diferencia respecta.
Los documentos elaborados y presentados, cabe decir, son llamados “libros” únicamente con el propósito de acentuar su inadecuación en el plano de los contenidos y de su factura o industria para alcanzar efectos de significación y sociabilización efectivos. Es decir, lo que se presenta son símiles conflictivos, manufacturados y originales, dispuestos sobre un carro de feria, que a raíz de las cualidades antes aludidas se insertan problemáticamente en el marco de la demanda de exhibir, poner en circulación, constituir su significación reconocimiento y valor. Luego, los variados distanciamientos y obstáculos respecto a una efectiva política de inscripción comprometida con el valor de la diferencia ponen en relieve preguntas claves, tales como ¿Qué relación cabe establecer entre los procesos que inducen la producción de diferencia y aquellos que la objetivan al disponerla en un plano de visibilidad? ¿Cuáles son los vehículos más pertinentes de esa diferencia y qué marco o retórica institucional puede tomar parte en su significación y valorización?
Para la elaboración de los libros se dispusieron recursos mínimos aportados por los propios participantes, otros obtenidos gracias a un auspicio (Consejo Regional de la Cultura y las Artes) e igualmente a través de una labor de reciclaje y recolección desarrollada por la Octava Mesa. A partir de esa gran economía material se desarrolló un procedimiento coordinado y colaborativo que pretende ser un índice de las estrategias autogestivas de las prácticas artísticas y culturales que son de nuestro interés, mismas que permiten a encontrar condiciones de posibilidad y transformación allí donde se impone a primera vista un orden de cosas dado, de condiciones materiales y de simbolización restringidas. Es decir, la materialidad precaria de los documento resultantes y del carro, creemos constituye la base suficiente para significar un ensayo en el plano de la producción de enunciados sobre una base articulada, expresando así el valor que la propuesta deposita sobre el proceso de colaboración que la hace posible.
Libro fotográfico que documenta parte del imaginario visual del antiguo transporte público de Santiago de Chile. Obra financiada por el Consejo Nacional del Libro y la Lectura 2005 y patrocinada por la Universidad de Chile.
Libro que reúne fotografías y gráfica experimental generada a partir del patrimonio vernáculo de Santiago de Chile. Obra financiada por el Fondo de Desarrollo Institucional del Ministerio de Educación 2002 y patrocinada por la Universidad de Chile. Nominado al Premio Altazor 2006.
A diez años de trabajo, los integrantes de la Nueva Gráfica (Daniel Castro, Pablo Castro, Juan Pablo Díaz, Matías Iglesis, Cesar Gabler, Rodrigo Lagos, Rodrigo Salinas y Tomás Vega) siguen trabajando con la misma energía, movidos por los mismos intereses y utilizando un lenguaje que ya es una especie de marca registrada, con humor (blanco y negro), ganas y sobre todo ideas que se realizan a cualquier precio.
Salinas: Para nosotros, la gracia de publicar revistas, ir a ferias, hacer películas o exposiciones es que sea un mal negocio, entonces nos dan ganas de seguir intentándolo con proyectos no costosos y pencas porque nunca hay plata, además así las redes de trabajo se hacen necesarias entre nosotros: dibujantes, artistas, diseñadores y médicos…(risas)…que se note pobreza!
La Nueva Todo, mezcla de diseño y arte
Bajo lemas como “Nadie lo va a hacer por ti, Todo va a salir bien y al que se le ocurre lo hace”, La Nueva Gráfica ha ampliado sus redes de trabajo incluyendo personajes y personalidades como Gabriel Garvo, Fabrizio Copano, Roberto Dueñas y otros, autodefiniéndose como un movimiento colectivo de solistas, en donde cualquiera puede sumarse si se hace cargo de sus propias ideas. “LNGCH es como Dios, cuando dos personas se convocan en su nombre, ahí está la nueva gráfica”.
Diferentes roles y colaboradores han permitido llevar a cabo productos en todas las áreas posibles, menos el Teatro y el Jazz. En Cine y TV: 31 minutos, Proyecto Wayápolis, El club de la comedia, TVsb, Los Yingolondango, La Represa, El Túnel. En publicaciones: Feroces editores, La Nueva Galería de Bolsillo y miles de revistas. Además de exposiciones en Galería Metropolitana, el MNBA, Galería Concreta, y otras.
Ya no más casas cubiertas con plástico, goterones indignos ni piezas de tres por tres. Al menos eso es lo que promete la nueva política habitacional del Gobierno. De la mano del grupo Elemental, que obtuvo un León de Plata en la Bienal de Venecia, el futuro promete dejar en el pasado la segregación de los más pobres y su pesadilla de la casa propia. Si antes se apostó por la cantidad, ahora el desafío es la calidad. ¿No más nylon? Johanna Vera no se cansa de admirar su baño. A la tina le puso una cortina plástica con flores celestes y verde agua. Encima del lavamanos instaló una jabonera y estuvo varios días cosiendo cubiertas de género para el WC y el estanque. “Es que tengo baño con tina”, dice feliz. Hasta parece señora de comercial enumerando las ventajas de su última compra: “Es digna y no se llueve, está la casa cerca de mis amigos y de la gente que quiero, tengo tres dormitorios y 72 metros cuadrados, hay áreas verdes y además participamos en el proyecto, elegimos la casa que soñábamos. ¡Qué más queremos!”. Nadie le borra la sonrisa. Johanna llegó, junto a 30 familias del campamento Vista Hermosa de Lo Espejo, en mayo pasado a estos terrenos ubicados a sólo dos cuadras de su ex casa, parada a tientas, con un escusado, pozo negro, que se limpiaba con baldes de agua en vez de baño. Comenzó a juntar dinero de a poco. “No es fácil con tres hijos y además viviendo en un campamento, los niños se enfermaban más porque había más infecciones y el gasto era harto”, comenta. Se demoró dos años en reunir los 480 mil pesos que necesitaba para postular, hasta que lo logró. Hizo pololos en lo que viniera y vendió ropa en la feria. Como se trata de una vivienda con deuda consolidada, ya no le debe un peso a nadie. Tiene 35 años y una casa propia. El condominio Vista Alegre es uno de los conjuntos habitacionales proyectados por Elemental, una empresa de jóvenes profesionales socios de la Universidad Católica y Copec que se autodefinen como un “do tank”, es decir, más dedicados a hacer que a divagar. Alejandro Aravena, líder de la sociedad que proyecta viviendas sociales, acaba de ser galardonado con el León de Plata en la Bienal de Venecia por poner la arquitectura al servicio del mundo real: el ambiente, la pobreza y los conflictos sociales. Un hito que puede situar a Chile a la cabeza de este tipo de construcciones a nivel mundial: “A diferencia de otros países, Chile goza de una política de vivienda social muy eficiente”, dice Víctor Oddó, gerente de Comunicación de Elemental. Cualquier familia de la Villa El Volcán se podría caer de espaldas. Y con justa razón, después de que tuvieron que tapizar con nylon las viviendas que se hicieron conocidas como las casas Copeva, en honor a la empresa que las construyó. Sin embargo, varios expertos aseguran que son justamente éstas las que marcan un antes y un después en viviendas sociales, y que si bien el país aún tiene un camino que recorrer, ha comenzado un segundo tiempo que ya da frutos: no sólo importa la cantidad, sino la calidad.
CASAS PILOTO
Johanna no sólo está contenta porque tiene un baño decente y tres dormitorios donde pueden dormir tranquilamente sus dos hijos, sino también porque participó en la elaboración de la casa de sus sueños. Los profesionales de Elemental hicieron al menos cinco talleres con los pobladores tanto en la municipalidad como en el mismo campamento que permitieron que ellos se involucraran directamente en el proyecto. De acuerdo a distintos expertos en políticas habitacionales, éste debiera ser un paso fundamental al momento de diseñar nuevas poblaciones; un ingrediente ausente por años y que tuvo su auge entre los años sesenta y setenta. El arquitecto Fernando Castillo Velasco, quien dedicó su vida al servicio de la vivienda social, cree que sin ese factor cualquier proyecto corre el riesgo de quedar a la deriva. “El Estado debería dar más subsidios para que la gente pueda ampliar sus casas, pero el Estado no ha tenido confianza en el pueblo, los municipios están constreñidos y tienen restricciones para entregar recursos”, dice quien fuera intendente de Santiago y el primer alcalde de La Reina, donde en 1965 ayudó a diseñar la villa del mismo nombre, una comunidad de 1.800 casas construidas por los mismos vecinos. “Todos los fines de semana, cada tres años, vimos cómo los pobladores paraban sus casas. Ellos mismos fabricaban los ladrillos y después vendían la mitad para comprar cemento y poder levantar las paredes. No elegimos darles un terreno en la periferia; escogimos el mejor terreno de La Reina para ellos, eso es justicia social, ¿por qué hay que mandar a los pobres a cualquier parte? Eso no es verdadera integración social”. Son las mismas críticas de Rodrigo Hidalgo, del Instituto de Geografía de la Universidad Católica, que cree que en una ciudad inmensa como Santiago existe sólo una cara de la moneda. “Hay problemas de integración. Esto es lo que yo llamo una precariópolis, donde no hay oportunidades ni accesos. Aunque el discurso es integrar, la realidad nos muestra otra cosa”. A pesar de estas críticas, de la mano de Elemental las políticas habitacionales han vuelto a brillar como en la década de los sesenta. Lo que más le gusta a Johanna de su condominio Vista Alegre es que pudo elegir entre dos tipos de casas. “Era como tener una casa piloto”, dicen los pobladores. Junto a los profesionales de Elemental fueron dibujando lo que querían. “Ellos tuvieron la oportunidad de decidir y de entender por qué construimos algo, no es una decisión arbitraria. Les queda claro por qué se les va a entregar la vivienda con o sin calefont. Nosotros preferimos entregar la estructura sólida, con la ampliación proyectada para que ellos puedan crecer”, explica Oddó. Una vivienda de 30 metros cuadrados puede crecer hasta 70 o incluso 90. La idea de Elemental es que las casas queden cerca de donde los habitantes tienen sus redes sociales, los servicios básicos; un punto fundamental. Con exclusión social y segregación no hay vivienda digna.
EL FANTASMA DEL CHACOTERO
A comienzos de los noventa el desafío era claro: sacar a la gente de los campamentos y cubrir el déficit habitacional del estrato más bajo, que alcanzó un 1,2 millones de viviendas en dictadura. La carencia bajó a la mitad en estos últimos años y hoy los requerimientos son otros. “Tenemos que enfocarnos en una nueva trilogía: cantidad, para disminuir el déficit; calidad, para mejorar los estándares y el tamaño de las viviendas, y la integración social, que es hacer casas con equipamiento, cerca de servicios, consultorios y colegios, con sedes sociales y ojalá con salas cuna”, dice la ministra de Vivienda, Patricia Poblete. La mirada a futuro es esperanzadora, ¿pero cómo se reparan los errores? “La escena de ‘El chacotero sentimental’ es un buen ejemplo de cómo están muchas familias en Chile”, comenta Ricardo Tapia, del Instituto de la Vivienda de la Universidad de Chile. Este organismo se ha dedicado a reparar parte del caos. Desde 1998 a petición de los propios vecinos ayudan a proyectar las ampliaciones de la población Los Quillayes en La Florida. Como se trata de 3.200 departamentos, sólo se hicieron cargo de un tramo, pero falta la gran parte. “Hay un subsidio de ampliación y mejoramiento, pero sólo para las viviendas unifamiliares. La gente amplía desesperadamente y esto se repite en muchas poblaciones. Están tan mal hechas, que si viene un terremoto se pueden caer”, explica Tapia. Es justamente lo que quieren evitar los nuevos proyectos sociales; se trata de devolver un poco de humanidad a las viviendas sociales, esta vez con menos sueños que en décadas pasadas; ahora están regidas por presupuestos y leyes del mercado, pero entierran el sueño amorfo e inequitativo de la casa propia para los que compran por menos de 300 UF. Como una forma de “arreglar el caos”, el Instituto de Vivienda de la Universidad de Chile ayuda con los conocimientos técnicos en la población Los Quillayes, construida en 1985.
Noticia publicado en La Nación Domingo 21 de septiembre de 2008, donde se incluye entrevista a Ricardo Tapia, académico INVI Por Alejandra Carmona
Robert Crumb ( Filadelfia, Pensilvania, 30 de agosto de 1943) es un historietista e ilustrador estadounidense. Fue uno de los fundadores del cómic underground y es quizá la figura más destacada de dicho movimiento. Aunque es uno de los más conocidos autores de cómic, su carrera se ha desarrollado siempre al margen de la industria.
Sabemos que la figura de la loca es la figura del cruce cultural. Sabemos también que su lugar en el tránsito ciudadanal es nocturno y socialmente peligroso. Sin embargo, sabemos también que, fuera de loca, es rota y que eso marca una diferencia, un pliegue, un plus del cual es preciso hacerse cargo para así instalar su imagen bajo la doble configuración que moviliza esta discusión.
La imagen del roto, de la cual la rota se apropia bajo su singularidad travesti, se ubica en el imaginario colectivo chileno como un modo de encarar la simbólica nacional. Simbólica cuya decodificación obedece a ciertas estrategias discursivas contradictorias que animan todo lo concerniente al mestizaje cultural latinoamericano. Así, ciertos ejes conceptuales se cruzan para dar lugar a un imaginario confuso, cuya significación depende en gran medida del contexto en el cual se juega el signo de lo roto.
Rodrigo Salinas es Diseñador Gráfico, Ilustrador y artista visual, Editor y Gestor del colectivo La Nueva Gráfica Chilena. Nacido en 1975. Se ha desempeñado como dibujante en los diarios La Nación, y El Mercurio, donde ilustra en los suplementos ” Revista del Domingo en viaje”, ” Timón”, y “Wikén”, donde realiza la tira semanal “Canal 76”. Es el Guionista y creativo del programa 31 minutos.
En 1906 aparece en revista Zigzag, “Federico Von Pilsener”, considerado el primer personaje de la historieta chilena, que aparecía siempre junto a su perro “Lustig”. Algunas revistas de cómics y caricaturas fueron: “El Peneca”, El Pibe, Don Fausto, Weekend. En 1931 se lanza “Topaze”, en ella fueron caricaturizados todos los presidentes y políticos de la época, dirigido por “Coke”, colaboraron también, en ella: Lugoze y “Pepo”. Condorito entra en escena por primera vez en la revista OKEY en 1949. Condorito debuta como revista propia en 1955. En 1947 nace el libidinoso “Pepe Antártico” el personaje más famoso de Percy. “Barrabases”, creado por Guido Vallejos, debuta en 1954. Esta historieta de un equipo de fútbol infantil se convertiría en una de las revistas más leídas por los niños. En 1956 se publica por primera vez “El Pingüino”, en 1968 “La Chiva”, revista de humor político y social con dibujantes dibujantes como Hervi y Palomo. Por esos años se comienzan a destacar los personajes “Mampato y Ogú” , de Themo Lobos. En 1969 Zig-Zag comienza a publicar revistas de historietas chilenas de aventuras como el Dr. Mortis, Far West, Jinete Fantasma, Jungla y El Intocable, entre otras. A fines de los 80s se publican revistas como Trauko, Ácido, Matucana y Bandido, revistas para mayores de edad con diversas temáticas.
Jean-Baptiste Mondino (nacido en Aubervilliers, Francia en 1949) es un fotógrafo de moda francés y director de videos musicales para:David Bowie, Sting, Chris Isaak, Björk, China Moses (Dee Dee Bridgewater 's hija) y Les Rita Mitsouko. Mondino también ha fotografiado las tapas y envases para el álbum de discos de Marianne Faithfull Before The Poison (2005) y Easy Come, Easy Go (2008), Shakespear's Sister 's Hormonally Yours (1992), y es Director Artístico de un documental DVD incluido en una edición especial del último álbum, dirigida por Ann Rohart.
Michel Gondry (* Versalles, Francia, 8 de mayo de 1963) es un director de cine, anuncios, y vídeos musicales, destacado por su innovador estilo visual y su manipulación de la puesta en escena.
Su carrera como realizador comenzó con la dirección de vídeos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también baterista. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el vídeo para su canción Human Behavior. Esta colaboración se extendería bastante tiempo, con Gondry dirigiendo un total de siete vídeos musicales para Björk. Otros artistas con quien Gondry ha colaborado en más de una ocasión incluyen a The White Stripes, Radiohead, The Chemical Brothers y Kylie Minogue. Gondry también ha creado numerosos comerciales de televisión, siendo uno de sus más famosos el realizado para Levi's, con el que ganó el Lion D'or en el Festival de Cine de Cannes de 1994. Fue pionero en la utilización de la técnica conocida como «bullet time», utilizada posteriormente en las cintas de la saga The Matrix, notablemente en el vídeo Like A Rolling Stone en la versión que la banda británica Rolling Stones hicieron del tema de Bob Dylan y en un comercial de 1998 para la marca de vodka Smirnoff.
Gondry suele ser citado, junto con los directores Spike Jonze y David Fincher, como representante de la influencia de los directores de vídeo musicales en la cinematografía mundial. "Eternal sunshine of the spotless mind (que es también su segunda colaboración con el guionista Charlie Kaufman) fue estrenada en el año 2004 y recibió numerosas críticas entusiastas. Eternal sunshine of the spotless mind utiliza muchas de las técnicas de montado de escenarios, uso de perspectiva y escasos efectos por computadora, sumado a largas tomas y un tratamiento pictórico de la imagen, herramientas con las que Gondry ha experimentado en sus vídeos musicales.
Janet Cardiff (nacido en 1957 - 03-15) es un artista de la instalación de Canadá. Nacida en Bruselas, Ontario en 1957 Cardiff, estudió en la Universidad de Queen's (BFA), donde se graduó en 1980. También estudió en la Universidad de Alberta (MVA) y se graduó en 1983. Ella trabaja en colaboración con su socio George Bures Miller. Cardiff y Miller, en la actualidad viven y trabajan en Berlín. Janet Cardiff primero ganó notoriedad internacional por sus paseos de audio en 1995.
Diller Scofidio + Renfro es una firma de arquitectura con sede en la Ciudad de Nueva York, fundada por Elizabeth Diller y Ricardo Scofidio. Son particularmente conocidos por su acercamiento interdisciplinario a la arquitectura. Contribuyen principalmente a la teoría y el criticismo de la arquitectura, a menudo con instalaciones de arte, de video o en medios electrónicos.
Gabriel Orozco (n. 1962) Artista mexicano considerado como "uno de los artistas más influyentes de esta década y probablemente también de la siguiente" (Francesco Bonami, Parachute, 1998) , nacido en Xalapa, Veracruz y educado en la Escuela Nacional de Artes Plásticas(ENAP) de 1981 a 1984. Continuó su educación en el Círculo de Bellas Artes de Madrid desde año1986 al 1987. Explorando el uso de video, dibujo, y la instalación así como fotografía y escultura, Orozco da libertad a la audiencia para explorar las asociaciones creativas entre objetos ignorados tradicionalmente en el mundo de hoy. Su trabajo extrañamente permite una interacción entre la pieza y la audiencia.
Félix González-Torres (noviembre 26to, 1957-enero 9, 1996) fue un artista cubano que creció en Puerto Rico antes de mudarse a Nueva York.González-Torres tuvo su primera exposición individual de sus obras de texto a principios de 1988 en la Galería de Rastovsky (560 Broadway) en el Soho. Soñaba con el traslado a Las Vegas.
El uso de materiales tales como cadenas de bombillas, relojes, pilas de papel, o en el envase caramelos duros, Félix González-Torres, el trabajo es a veces considerado un reflejo de su experiencia con el SIDA.Muchas de las instalaciones de González-Torres invitan al espectador a tomar un pedazo del trabajo con ellos: una serie de obras permiten a los espectadores a tomar dulces envasados de una pila en la esquina de un espacio de exposición, mientras que otra serie se compone de pilas de hojas ultradelgadas de de plástico transparente o grabados de edición ilimitada, también libre para el espectador a tomar.Estas instalaciones están complementadas por el expositor, ya que disminuyen.La lectura más generalizada de trabajo de González-Torres lleva los procesos de sus obras objeto de (que expira bombillas, pilas de caramelos de dispersión, etc) como metáfora para el proceso de morir. Otras lecturas de incluir la cuestión de público vs privado, identidad, y la participación en el arte contemporáneo.Una de sus obras más reconocibles, Sin título (1991) fue un cartel instalado en veinticuatro localidades de Nueva York de una fotografía en blanco y negro de una cama desocupada, después de la muerte de su amante, Ross, a causa del SIDA.
Artista francés Christian Boltanski (París, 1944). Tras una etapa inicial inmerso en una pintura de factura expresionista, el artista abandonó la concepción de la obra como un objeto aislado y autosuficiente al entenderla como parte de una realidad más amplia y cambiante con la que interacciona. A través de conjuntos de objetos y fotografías anónimas condenadas al olvido, Boltanski ofrece un espectáculo visual vibrante de emociones que indagan en las borrosas huellas de la memoria.
Su obra la componen ropas usadas de gente ausente, cajas de hojalata a modo de relicarios sagrados, fotografías borrosas de víctimas de los nazis y teatrillos de sombras de figuras fantasmales. Esta iconografía constante que proviene de lo autobiográfico, la religión y el pasado, es presentada de una manera tétrica y oscura que la convierte en un evidente signo de la muerte. Fotografías y ropas usadas evocan simultáneamente una presencia y una ausencia; son representaciones de la muerte pero también recuerdos de vida. La memoria es una de las preocupaciones constantes en la obra de Boltanski que, según él, nos reencuentra con nosotros mismos; sin embargo, frente al recuerdo de los grandes acontecimientos históricos, al artista le interesa la pequeña memoria, los pequeños saberes que todos poseemos y que constituyen lo que somos.
"Debemos hablar de manera suficientemente general para que cada uno pueda reencontrar algo de su propio pasado, de su propia cultura, de sus propios deseos"
Ronald Kay suspende la muerte por un rato Imágenes sacadas de una película de clase B abre las puertas de una serie de versos condenados a “suspender” la vida, en manos del multifacético artista chileno. El prólogo es de Raúl Zurita.
Fotocinematografías es lo que hace Ronald Kay en "Variaciones ornamentales", libro publicado originalmente en 1979 por el sello del Departamento de Estudios Humanísticos de la Universidad de Chile.
Imágenes de la película "Saigón", de fines de la década del 40, comienzan y finalizan este particular libro de poesía.
"Pantallazos", diríamos hoy, a escenas que se acompañan con lecturas de versos de Rimbaud, Gertrude Stein y Jean Cocteau. Luego, treinta poemas donde "Salta a los ojos, que la vida/ Se encuentra de alguna manera en suspenso".
Fotografías de la pantalla del televisor, donde un hombre presencia el disparo a quemarropa a otro hombre. "Acontecimientos que demuestran irrefutablemente/ el propósito deliberado de distraer". Versos, que ahora se pueden volver a leer en la nueva publicación de Ediciones Universidad Diego Portales, que acaba de llegar a librerías.
Ronald Kay (1941) ha dicho que "nací chileno en Alemania". Amigo de los poetas Juan Luis Martínez y Enrique Lihn, a mediados de los setenta volvió al país para unirse al Departamento de Estudios Humanísticos de la Facultad de Ciencias Físicas y Matemáticas de la Universidad de Chile, junto a memorables profesores, como Nicanor Parra y Cristián Hunneus.
De esos rincones salió la revista Manuscritos, en 1975, de la que Kay fue su editor. Además, junto a Eugenio Dittborn publicó la revista v.i.s.u.a.l., que incluía sus textos y los de Nelly Richard.
Y el año pasado (2008 ) ,Kay expuso en el Museo de Bellas Artes "Tentativa Artaud", proyecto que abordó varios registros a partir de un montaje inspirado en las ideas del autor de "El pesanervios".
Por Javier García / La Nación Reeditan poemario “Variaciones ornamentales”, después de 30 años
La historia gira alrededor de Lucía y Luís, figuras principales que se conocieron un verano. Ella cree que él podría ser un hombre lobo. Él no sabe por qué Lucía desaparece y se aleja. A eso se suma un lobo que ronda en el bosque. “Todos los componentes de esta exposición se nutren del tono que acompaña un relato de cuento infantil oscuro. Como en las historias contadas a los niños aparece un bosque, niños, animales con rasgos infantiles y tenebrosidades que producen miedo".
Para la inauguración oficial del proyecto Cybersyn a principios de Septiembre de 1973, Stafford Beer escribió el siguiente discurso:
“Estimados amigos, quiero darles la bienvenida personalmente a este lugar, ya que he tenido un interés personal en su desarrollo, y por que quiero pedirles un especial interés en él. Lo que ven alrededor es el resultado de 18 meses de trabajo duro por un grupo sólido de nuestros propios ingenieros chilenos, que se han dedicado a solucionar los problemas de la gestión en las empresas. Ellos han creado para nosotros, una serie de herramientas para ayudarnos en la tarea de controlar la economía.
La ciencia moderna, y en particular la computación electrónica, ofrecen al gobierno una nueva oportunidad para tratar con los complejos problemas modernos de la economía. Hemos encontrado que en los llamados países avanzados, el poder de la ciencia no ha sido utilizado aún. Hemos desarrollado un sistema con nuestro propio espíritu. Lo que escucharán hoy día es revolucionario - no simplemente por que esto es la primera vez que se realiza en el mundo-, es revolucionario por que estamos ante un esfuerzo deliberado para darle a la gente el poder que la ciencia nos da, en una forma en la cual la gente podrá usarla libremente”
Desafortunadamente, el discurso nunca pudo ser pronunciado, debido a varios factores, siendo el más determinante el golpe militar ocurrido de Septiembre de 1973.
Lowbrow, o arte Lowbrow,es un término utilizado para describir un movimiento underground de arte visual que surgió en la zona de Los Angeles, California, a finales de la década de 1970. El Lowbrow es un movimiento artístico popular muy difundido, con orígenes en el mundo del underground comix, la musica punk, la cultura callejera del hot-rod y otras subculturas de California. También se le conoce con frecuencia por el nombre de surrealismo pop. El Lowbrow nació de la cultura underground, y tiene un cierto sentido del humor. A veces este humor es alegre, o también lleno de picardía o sarcasmo.La mayoría de las obras de arte Lowbrow son pinturas, pero también existen juguetes, arte digital y escultura. Algunos de los primeros artistas en crear aquello que llegaría a ser conocido como arte Lowbrow eran historietistas underground como Robert Williams y Gary Panter. Las primeras muestras se realiaban en galerías de arte alternativas en Nueva York y en Los Angeles, tales como la Psychedelic Solutions Gallery en East Village de Jacaeber Kastor, La Luz de Jesus de by Billy Shire y la galería Zero One en Hollywood, de John Pochna. El movimiento creció constantemente desde sus inicios con cientos de artistas que adoptaban este estilo. Conforme el número de artistas aumentaba, el número de galerías que exhibían Lowbrow creció. Tanto la Julie Rico Gallery como la Bess Cutler Gallery exponían artistas importantes y ayudaron a difundir este tipo de arte que fue clasificado como lowbrow (de mal gusto, en inglés). La revista de Lowbrow Juxtapoz de Robert Williams, creada en 1994, ha sido uno de los pilares de la crítica del arte Lowbrow, y ha ayudado a dirigir y hacer crecer el movimiento. Los críticos han resaltado que existen en la actualidad diferentes maneras en cómo el Lowbrow se manifiesta en regiones y lugares distintos. Algunos reconocen un estilo distintivo de la costa oeste de Estados Unidos, el cual está profusamente influido por el underground comix y la cultura de los autos hot rod más que en otros lados. Conforme el estilo Lowbrow se difundía alrededor del mundo, se fue mezclando con las tendencias en las artes visuales de aquellos lugares donde se establecía. Según se desarrolla el Lowbrow, pueden existir ramificaciones hacia nuevas tendencias o invlusive movimientos artísticos totalmente nuevos, tal como sucedió con movimientos pasados En un artículo del número de febrero de 2006 de su revista Juxtapoz, Robert Williams se da el crédito de haber acuñado el término Lowbrow. Afirma que en 1979, Gilbert Shelton, de la editorial Rip-Off Press, tomó la decisión de publicar un libro presentando las pinturas de Willams. Williams dijo que el mismo decidió nombrar el libro con el título menospreciativo de "The Lowbrow Art of Robt. Williams," (El arte de mal gusto de Robt. Williams),ya que ninguna institución de arte renombrada reconocía este tipo de arte. "Lowbrow", por lo tanto, fue usado por Williams en oposición a highbrow (intelectual, elevado). Dijo que el nombre pegó, pese a que cree que es inapropiado. El Lowbrow también es conocido como surrealismo pop'. Kirsten Anderson, quien editó el libro Pop Surrealism, considera relacionados el Lowbrow y el surrealismo pop, pero como movimientos distintos. Sin embargo, Matt Dukes Jordan, autor de Weirdo Deluxe, considera que los términos son intercambiables. Los museos, críticos de arte, galerías del mainstream, etc., se han mostrado firmes con respecto al estatus del Lowbrow en el mundo de las bellas artes, y hasta la fecha, en su mayoría lo han excluido, lo cual no ha impedido que algunos coleccionistas compren obras. Algunos críticos de arte dudan que el Lowbrow sea un movimiento artístico "legítimo", por lo que hay muy poca crítica académica al respecto. El argumento más habitual de los críticos es que los escritos críticos surgen de manera natural desde dentro de un movimiento artístico en primer lugar, y después un círculo más amplio de críticos dirige su atención sobre este conjunto de escritos para dar su propia crítica. Esta ausencia aparente de crítica interna podría deberse a que muchos artístas del Lowbrow comenzaron sus carreras en campos que normalmente no se consideran dentro de las bellas artes, tales como la ilustración, el tatuaje y los libros de historietas. Varios artistas Lowbrow son autodidactas, lo que los aleja más del mundo de los curadores de museos y escuelas de arte. Varias personas en el mundo del arte tienen profundas dificultades con respecto al enfoque figurativo del Lowbrow, su cultivo de la narrativa, y su gran valoración de las habilidades técnicas. Las escuelas de arte y los curadores y críticos menospreciaron profundamente estos aspectos durante las décadas de 1980 y 1990. No obstante, algunos artistas que comenzaron sus carreras exhibiendo en galerías Lowbrow han pasado a exhibir su trabajo principalmente en galerías de bellas artes pertenecientes a la corriente aceptada. Joe Coleman, Mark Ryden (a partir de su exhibición de 2007 2007 'Tree Show'), Robert Williams, Manuel Ocampo, Georganne Deen, y los hermanos Clayton son algunos ejemplos. Se pueden ser hallar ecos del enfoque Lowbrow en la historia del arte del siglo XX, comenzando con el trabajo de los dadaistas y los exponentes principales del movimiento regionalista estadounidense (artistas como Marcel Duchamp y Thomas Hart Benton), movomientos que han cuestionado las distinciones entre arte elevado y bajo, arte fino y popular, y finalmente entre cultura popular y cultura del arte refinado. En cierto sentido, el arte Lowbrow consiste en explorar y criticar esas distinciones, y es por eso que comparte similitudes con el arte pop de la década de 1960 y principios de los 70. También es posible notar que así como los artistas Lowbrow se mueven en los límites borrosos entre cultura elevada y cultura baja, existen otros artístas contemporaneos del "mainstream" que usan estrategias artísticas similares a aquellas empleadas por artistas Lowbrow Anthony Ausgang
Como nunca , Chile está absorto en el mundo: tecnología, tratados de libre comercio, conectividad, macroeconomía, forman parte de un imaginario, que la mayoría de las veces, no logramos comprender.
Chile Bicentenario, Chile elecciones, Chile delincuencia, Chile …, un bombardeo sistemático para crear una imagen de nuestro país. En éste escenario, las reacciones no pueden ser muchas. Abulia o Resistencia.
En medio de éste Universo, las Artes Visuales viven un forzado período especial: nuevas galerías, nuevo coleccionismo, nuevas escuelas de arte, nuevos centros culturales, festivales y carnavales por doquier, todo en un tono anestésico, oligárquico , por decir lo menos.
El último evento, que pretende coronar nuestra apertura al Mundo, es la vapuleada Trienal de Chile, un sistema político de lo que es hacer, desarrollar y mostrar arte contemporáneo a los chilenos.
Nadie sabe si resultará, en la espera, no perderemos el tiempo a ver si es buena o mala idea, armaremos nuestra propia TRIENAL DE CHILE OFF, aportando nuestra energía a que las cosas sean de otra manera.
MONEDA PICTURES, ES UNA PLATAFORMA AUDIOVISUAL QUE DA CABIDA A DIVERSAS INVESTIGACIONES ESTETICAS SOBRE EL TEMA, ELLAS SE DESARROLLAN FORMALMENTE DE DOS MANERAS: AL INTERIOR DEL GRUPO DE TRABAJO DE INDUSTRIA MASTICABLE Y CON COLABORACIONES EXTERNAS. PRETENDE ABARCAR EN ESTAS PROPUESTAS , LOS METODOS Y SISTEMAS QUE REGISTRAN, EDITAN Y ALMACENAN, LAS IMAGENES EN MOVIMIENTO. ELLAS SON POSTERIORMENTE REELABORADAS UTILIZANDO : EL ABSURDO, LA IRONIA, LA CRITICA SOCIAL, LO ONIRICO Y EL HUMOR, COMO HERRAMIENTAS QUE PERMITEN NUEVOS PARAMETROS DE COMPRENSION DE LAS MISMAS. COMO ESTAMOS CONCIENTES DE UN MUNDO PLAGADO DE IMÁGENES DE VIOLENCIA, MUERTE Y DESALIENTO , PROPONEMOS LA BUSQUEDA DE LA RISA, LA TORPEZA, LA INGENUIDAD, COMO COMPROMISO Y APORTE VISUAL A NUESTRO MUNDO.
Señor Director: pareciera que en este país, los eventos artísticos duran las pocas horas que dura la inauguración. Luego que las autoridades dan sus discursos, y el mundillo artístico se reúne y comparte unas copas de vino, se acabó la discusión, se acabó la crítica y se cerró el tema. Para ... la prensa y el público general, la Trienal de Chile ya no existe. Todo el esfuerzo, los recursos, las obras, desaparecen como agua entre los dedos. Claramente de esta manera, jamás seremos capaces de construir un discurso artístico que compita de igual a igual, con los espacios a los cuales esta Trienal pretendía interpelar. En otras bienales, una parte fundamental de la organización, corresponde a mantener viva la discusión en torno a los temas y las obras que el evento plantea, abriendo a la vez canales de participación que permiten al público lego, hacerse partícipe y entrar en los temas en la medida de su curiosidad e interés. En las exposiciones que forman parte de la Trienal de Chile, rara vez encontramos un texto explicativo que contextualice las obras y los artistas, no hay catálogos que den cuenta de manera más profunda de los criterios curatoriales, no hay información a través de la que cualquiera pueda acceder de manera más informada a las exposiciones, sacar conclusiones y generar juicios propios. Todo queda como un evento de unas pocas horas, en el que un reducido grupo de entendidos, alimentan endogámicamente sus propias preocupaciones, quedándonos todos aquellos que no pertenecemos directamente a este selecto grupo, con las ganas de saber más, y con el amargo retrogusto de la oportunidad (nuevamente) desperdiciada./
El artista visual Yoshua Okón (México, 1970) a través del formato del video y la instalación, y los recursos de la ironía y el humor, presentará una perspectiva en torno a las representaciones ideológicas relacionadas con la dictadura en Chile y los modos en como codificamos la inestable categoría del arte político y la denuncia social.
La nueva galería es un espacio para promocionar el arte joven independiente y tendencias artísticas populares, a veces menospreciadas por las instituciones locales de arte.
"...la guerra empezó a arder encarnizadamente en esta provincia, con profusión de sangre desde el año de 1813, sin que hasta hoy haya cesado de todo punto. Este cruel azote, que tomó asiento en ella, la constituyó en un teatro de horrores los más espantosos. Las vidas y fortunas de sus habitantes, todo ha sido sacrificado a la alternativa de las huestes que han ocupado su suelo, tanto las españolas, como las liberales, indios bárbaros, y bandidos que aún nos incomodan. El robo, el cuchillo, la espada, el cañón, y el incendio, no han perdonado nada."
Intendente de Concepción Juan de Dios Rivera, 1827.
Los talleres Caja Negra Artes Visuales datan del año 1983, apareciendo como un espacio cultural alternativo que respondía a un contexto histórico específico, desarrollándose como un lugar de reflexión y expresión constante convulsionado por la época, generando una producción al margen de los sistemas institucionales resguardando las posibilidades expresivas que profundizan en los procesos y en los campos de experimentación disciplinaria, abordando sistemas productivos diversos: instalación, pintura, objeto, fotografía, performance, video, sonido, escritura y otros desplazamientos. Dentro de los proyectos que Caja Negra ha realizado desde sus inicios se destacan: Producciones de libros con las Ediciones Caja Negra, obras de teatro, performance, ediciones de textos en poesía y ensayo, la revista El Espíritu de la Época, recitales de música, seminarios, charlas, curadurias, ciclos de cine, video arte, exposiciones, encuentros performaticos, acciones etc. Desde 1994 a la fecha el taller ha centrado su producción e investigación en el campo de las artes visuales, realizando en la actualidad varios proyectos curatoriales y expositivos en importantes espacios dentro y fuera del país, además de una activa producción in-situ. En la actualidad Caja Negra se plantea como un espacio de absoluto reconocimiento en el medio plástico nacional, con una trayectoria en las artes y la cultura de 25 años y que se distingue por su desarrollo independiente, autónomo y de constante autogestión. Proyectando los nuevos lineamientos para concretar con un programa de residencias de investigación y producción a partir de marzo de 2010.
Desde un comienzo Brocoli fue el lugar idóneo , para que nuestras necesidades creativas se desarrollaran, y se vieran potenciadas por el trabajo del dúo , el trío, cuarteto, quinteto, o cuanto numérico grupo potenciara lo que nosotros veíamos como un lenguaje universal, el personaje.
Como si hubiera sido algo espontáneo, empezamos a generar nuestros primeros seres, convertidos en peluches o como nos gusta referirnos a ellos los Plush, seres únicos con vida y personalidades propias , junto con ellos nacen situaciones recuerdos , muchas ilustraciones, que nos llevan a evolucionar los personajes. Brocoli es proceso, esencialmente proceso mas que proliferación de resultados, y material, en estas instancias, somos creadores de juguetes únicos, y piezas de series limitadas, pero dejar eso como referencia seria cerrarnos o encasillarnos ya que Brocoli ira creciendo bajo nuestras expectativas y nuestras futuras visiones.
El nuevo número de la Santa Cultura Visual, Emporio, ya lleva algunos días en la calle. 220 páginas y 23 talentos artísticos que nos abren las puertas a sus personales universos de creación. La dirección de arte del libro ha sido a cargo de Juan Cardosa, el diseño de Zona y la impresión de Nova Era
EKEKO es un proyecto de autogestión EKEKO desarrolla proyectos culturales EKEKO expone donde sea EKEKO cree en la donación de obras de arte EKEKO cree en dar y recibir EKEKO cree que el ekeko nos dará prosperidad y buenaventura EKEKO piensa que el arte no es un bien imposible de tener EKEKO va a exposiciones a tomar vino EKEKO cree en el trueque EKEKO es un proyecto romántico y utópico EKEKO cree que un buen proyecto es quemar alonso de córdova EKEKO cree que el arte debería estar en todas partes EKEKO está contra la monarquía del arte EKEKO cree en Bolívar EKEKO cree que estamos tan cerca y tan lejos a la vez EKEKO cree en la frase cliché “por amor al arte” EKEKO cree en la revolución y el suicidio
REVISIÓN TÉCNICA , es la continuación lógica de CAMBIO DE ACEITE, muestra y catálogo llevados a cabo entre Marzo-Mayo del año 2003 en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, dicho exposición fue curada, gestada y producida por Víctor Hugo Bravo ,Jorge González y Mario Z, ella recopilaba los gustos personales de los tres curadores-artistas , creando de esta forma un sistema curatorial anómalo a lo que se venía desarrollando hasta esa fecha , produciendo conexiones y dispersiones , que en su momento ayudó para la visibilidad y discusión de la pintura chilena de los últimos años. Los artistas-curadores, intentaban aportar con una nueva pulsión tanto en el aspecto curatorial ,como de gestión, que propusiera nuevas lecturas al tema de la pintura en Chile. Resulta especial constatar que dicho proyecto vino a llenar un vacío, tanto en la línea expositiva como en la editorial , pues hasta esa fecha , no se habían realizados proyectos que unificaran tal cantidad de pintores , 40 en total, y que propusiera al público en general un reencantamiento con la visualidad pictórica. Por otro lado, en cuanto a la línea editorial , resultaba que desde el libro Pintura Chilena de Milan Ivelic y Gaspar Galaz, el que recopilaba la visualidad pictórica hasta el año 1983, no se había realizado un registro tan exhaustivo de nuevos autores y propuestas creativas. Si bien, CAMBIO DE ACEITE ,a lo largo de estos últimos años ha cumplido con creces las expectativas de sus creadores, aun hoy sigue existiendo una real carencia de un conocimiento sobre la pintura chilena más crítica, investigativa , absurda, irónica e incluso comercial en su nivel menos banal.
REVISIÓN TÉCNICA , pretende ser un material de investigación participativo, que aporte a la buena comprensión del arte chileno de las últimas décadas. Las razones que llevan a intentar esta nueva plataforma, son de diversas índole : cubrir un período especial en la Historia de la Pintura en Chile, comprender los rumbos que tomó parte de la escena chilena con respecto de las artes visuales y en especial sobre la pintura, visualizar las nuevas escenas y plataformas de mercado que surgieron desde allí , rescatar obras que con el tiempo se han perdido del imaginario nacional ,pero que dadas su importancia es necesario actualizarlas y confrontarlas con nuevas propuestas y autores.
Los ejes que propone este nuevo proyecto editorial son primordialmente de dos tipos : el primero de índole editorial y el segundo de difusión, es por ello que uno puede distanciarse de los intentos de Editorial Origo con el libro de Ricardo Bindis, del registro a cargo de Cecilia Valdes , como de los intentos galerísticos de : ArteEspacio, Isabel Aninat , Cecilia Palma e incluso Tomás Andreu ,los cuales en sus respectivos proyectos han dejando fuera una gran cantidad de autores que por diversas razones no cabían dentro de sus líneas editoriales .
REVISIÓN TÉCNICA , propone agrandar el registro de los 40 autores convocados para la exposición de CAMBIO DE ACEITE, e incluir en su edición a otros 60 autores , hasta completar un total de 100. El objetivo en esta oportunidad ,es recuperar una línea más histórica y contempla la inclusión de autores que no estuvieron considerados en la muestra por diversas razones. En términos editoriales , los artistas estarán presentados por orden alfabético, permitiendo de esta forma la confrontación de visualidades que de otra manera sería difícil de contrastar.
REVISIÓN TÉCNICA , contempla ampliar la visión del ejercicio pictórico ,mostrando primordialmente a los creadores y a sus obras, lo que daría una mejor lectura, tanto de las piezas, como de la comprensión de líneas de acción, desvíos y deserciones que se hayan producido con cada artista y que en líneas generales permitan elaborar preguntas y dar algunas respuestas del estado de la pintura chilena contemporánea. Esta lectura no pretende representar la última palabra sobre el tema , pero si intenta incluir ejercicios pictóricos que en cada una de sus épocas, han representado una sorpresa al medio en que se daban. El libro contempla la inclusión de dos textos, uno a cargo de Ana María Risco y otro a cargo de Gonzalo Pedraza, también se crearán nuevas museografías a cargo de Nadinne Canto. La edición será bilingüe y estará apoyada por un blog de información.
El libro como tal ,será una edición de 450 páginas de 28x21 cms cerrado, impresas a 4/4 colores, en Couche Opaco de 170 grs. en su interior, con tapa con solapas en Couche Opaco de 350 grs. impresa a 4/1 color, con Politermolaminado Opaco en Tiro, Costura Hilo y Entapado Hot Melt.
LA TRIENAL DE CHILE OFF,más allá de las contingencias propias de ser un trabajo parasitario de la Trienal de Chile, es un ejercicio de interacción con los pares creativos, es por ello que buscando formas viables de autogestión , es que hemos impulsado el proyecto TLC, TRATADOS DE LIBRE cooperación,invitaciones que hace INDUSTRIA MASTICABLE a desarrollar carpetas de grabados en ediciones pequeñas,para impulsar nuevas creaciones sin el lastre de los auspicios.
Este registro performático, da cuenta de la circulación de información con respecto del proyecto y de cómo en conjunto, somos capaces de reirnos con y de nosotros mismos, PONTE LA CHAPA, es una invitación a compartir de los regalos y la alegría de los amigos.
Con el fin de involucrar a la comunidad en la muestra Gordon Matta-Clark: Deshacer el espacio el Área Educativa del MNBA invita al público general a traer objetos en desuso para construir la obra Garbage Wall. La recepción será hasta el 30 de octubre. El montaje se realizará entre el 31 de octubre y el 6 de noviembre en el Hall Central del Museo.
INDUSTRIA MASTICABLE, está formada por profesionales de las áreas de: las Artes Visuales, la Fotografía, el Audiovisual y el Diseño, los métodos de trabajo apuntan al ejercicio colectivo como sistema que facilite el desarrollo creativo. Elaborando de ésta manera, diversos laboratorios, clínicas y agrupaciones, que dan como resultado una visualidad siempre cambiante.
INDUSTRIA MASTICABLE, elabora sus ideas en un territorio mixto, en el cual los nuevos medios tecnológicos se funden con el rescate de elementos vernaculares, de identidad visual y trabajos sociales y comunitarios.
INDUSTRIA MASTICABLE quiere ser una energía que genere cosas , ideas y proyectos desde el paso del tiempo, acumulando polvo en cada acto, sintiendo la historia que genere lo que hacemos, no queremos que las cosas vayan más rápido que lo que podamos disfrutar, sin caer en hacer obras para muestras, ni sentir que van saliendo por encargo, queremos volver a tomar el ritmo de las cosas, de la vida ,de nuestras vidas, si eso da para algo , bienvenido, por lo pronto compartimos con ustedes lo que vamos encontrando.
INDUSTRIA MASTICABLE creó este blog para mostrar : sus gustos, influencias y contradicciones, esperamos las disfruten.
